¿Qué es el género del cine arte? Y algunas películas de este género al detalle
Dentro del cine hay dos grandes vertientes: El cine comercial, orientado a un público más general con obras más convencionales en contenido y forma, buscando sacar el máximo beneficio posible. La otra vertiente es el cine arte, cuya característica principal es que se tratan de obras cinematográficas donde se da un alto grado de experimentación e innovación tanto formal como en su contenido. Aunque el cine es un arte en sí, cuando hablamos del cine arte nos referimos a largometrajes que buscan crear obras que se alejen de lo establecido para el gran público.
Resumiendo, en este artículo hablaremos sobre el cine, su relación con el arte, que es el cine arte y daremos ejemplos de directores y películas que destacan en esta rama del cine.
El cine y su relación con el arte
Primero, antes de avanzar, hay que definir que es el arte, un término ambiguo y abierto que tiene muchas definiciones, como por ejemplo, la de la UNESCO, la organización de la ONU destinada a la Cultura y su conservación, que define el arte como:
El conjunto de creaciones humanas que expresan una visión sensible sobre el mundo, tanto real como imaginaria.
Otra definición del arte fue la que dio el crítico y teórico estadounidense James Monaco en su libro How to Read a Film que el objetivo del arte es describir el universo y sitio que ocupa el ser humano en él. Y por último mencionar, que dentro de este arte que es el cine, entra todo lo cinematográfico, ya sean los cortos de cine experimental de José Val del Omar y los blockbusteres explosivos de Michael Bay.
En sus inicios el cine era considerado como un entretenimiento barato, las películas eran parte programas de cafés y cabarés, como un intermedio entre espectáculos, no se veía como un arte. Digamos que el cine era considerado como una especie de teatro filmado, la cámara se dejaba fija en una posición y dentro del encuadre ocurrían una serie de acciones y fin. No había mucha narrativa o inventiva, como por ejemplo Salida de los obreros de la fábrica Lumière (1895) de Louis Lumière. De hecho el propio Lumière veía al cinematógrafo como una mera curiosidad de feria.
Pero el desarrollo del cine, con sus novedades técnicas, hicieron que se convirtiera en un nuevo arte. Cortos destacados de esta época pueden ser Desaparición de una dama en el teatro Robert Houdin (1896) y Viaje a la Luna (1902) de George Méliès, Vida de un bombero americano y Asalto y robo de un tren (1903) de Edwin S. Porter, La malagueña y el torero (1905) de Alie Guy, El hotel eléctrico (1908) de Segundo de Chomón.
Y este nuevo arte probó ser muy lucrativo, cuando con una sola copia podía llenar una sala, por lo que poco a poco se fueron desarrollando las primeras salas de cines. Esto creó el cine de masas, con obras cada vez más comerciales, con las fórmulas y géneros cinematográficos que hicieron que la calidad artísticas de las películas bajaran. En cambio, paralelamente, aparecieron los primeros directores, que hicieron que el cine se dejará de ver como un entrenamiento vulgar y sí como un arte más, como por ejemplo D.W. Griffith, director de la infame Nacimiento de una nación (1915) o Intolerancia (1916); Friedrich Wilhelm Murnau, director de Nosferatu, el vampiro (1922), Amanecer (1927) y Tabú (1931) y desde la URSS Sergei Eisenstein, director de obras capitales del cine como Acorazado Potemkin (1925), y Octubre (1928).
Otras de las primeras corrientes del cine de arte son la introducción del surrealismo en el cine, que experimentan con este nuevo medio. Como los Futuristas, que fueron los primeros en considerar al cine como “el séptimo arte”, los Dadaístas o los nombrados Surrealistas con obras tan capitulares como Un perro andaluz (1929) de Luis Buñuel y Salvador Dalí.
También surge el Cinéma pur, que se puede traducir como “Cine puro”, también conocido como Cine absoluto. Un movimiento francés que centraba en las formas puras del cine, como el movimiento o la forma, alejándose así de las formas más narrativas. Un ejemplo de una obra de este grupo fue Cinq minutes de cinéma pur (1926) de Henri Chomette. En Alemania el Cine absoluto se centró en creación de obras abstractas, como Sinfonía diagonal (1924) de Viking Eggeling.
Fotograma de Cinq minutes de cinéma pur (1926)
En cierta forma, el movimiento que definitivamente hizo que el cine fuera respetado como un arte fue el Neorrealismo italiano. Esta corriente surgida de las ruinas de la Italia de posguerra dejó su huella en la historia con clásicos como Roma, ciudad abierta (1945) de Roberto Rosselini y El ladrón de bicicletas (1947) de Vittorio de Sica. Y en cierta forma, también marcó el punto de división entre el cine arte y el gran público, pues en Italia, estos dramas fueron un fracaso de taquilla aunque un éxito de crítica.
El cine de arte se fue desarrollando, ya sea desde la experimentación, con colectivos artísticos o con la aparición de nuevas corrientes, como la Nouvelle Vague francesa la primera y principal de las nuevas olas que poblaron la cinematografía en los 60, con directores y directoras como Jean-Luc Godard, François Truffaut y Agnès Varda. Destacando por otro lado el New Hollywood en Estados Unidos, en el que se incluyeron directores como Francis Ford Coppola, Steven Spielberg y Martin Scorsese entre otros, que difuminó la línea del cine de masas y de arte, consiguiendo renovar y encauzar de paso el blockbuster moderno.
Con esto la relación del cine con el arte ha sido larga y compleja, en menos de dos siglos ha pasado de ser considerado un entretenimiento de feria a ser el séptimo arte, el arte que recurre a todas las artes.
¿Qué es el cine de arte?
Cuando hablamos del cine de arte, nos referimos a largometrajes con fin artístico más que el de entretener. En este fin artístico, se alejan de las normas que el cine más comercial ha establecido, tratando temas controvertidos o recurre a recursos narrativos o cinematográficos heterodoxos, por lo que estos filmes suelen tener un menor presupuesto a raíz del riesgo que supone que no vaya a recaudar mucho en el mercado.
Estas obras cinematográficas, que suelen ser producidas por productoras menores o filiales de majors destinadas a ello, dan una mayor libertad creativa al director frente a otras. Por esta razón, se puede decir que todo el cine de arte y ensayo es cine de autor, puesto que el director acaba imprimiendo su estilo ya sea en el guion o en la estética.
Otras ramas del cine arte y ensayo son por ejemplo el cine independiente o indie, donde las películas no pueden haber sido financiada en su totalidad por las grandes productoras de Hollywood; el cine de culto, filmes que en su momento fueron un fracaso o pasaron desapercibidos, pero el paso del tiempo la has revalorizado generando una veneración entorno a esta obra por parte de los espectadores y por último mencionar el cine experimental, la vertiente más radical, donde se busca nuevas formas rompiendo con todo lo establecido anteriormente, consiguiendo así crear algo nuevo de paso, aquí entraría por ejemplo, el cine Dogma.
El famoso manifiesto del Dogma 95
En definitiva, el cine arte es un término amplio en el que se pueden incluir filmes tan dispares como Pink Flamingos (1972) de John Waters, Cuentos de Tokio (1953) de Yasujiro Ozu o Ciudadano Kane (1941) de Orson Welles. Con este repaso y definición del cine de arte y ensayo, damos paso a un repaso de los directores más destacados de esta ramificación del cine.
Directores más destacados
D.W. Griffith (1875-1948)
David Wark Griffith fue un director estadounidense nacido el La Grange, Kentucky el 22 de enero de 1875 y murió en Hollywood el 23 de julio de 1948. Considerado el padre del cine moderno, por ser uno de los primeros en considerar que el cine debería tener un lenguaje propio.
Además, los aportes de Griffith al cine son por ejemplo el movimiento de la cámara, el montaje paralelo, el uso del fuera de campo, los flashbacks o los primeros planos. Elementos que uso sus largometrajes, los más destacados son El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916).
F.W. Murnau (1888-1931)
Frederick William Murnau, nació el 28 de diciembre de 1888, Bielefeld, Alemania y murió el 11 de marzo de 1931, Santa Bárbara, Estados Unidos. Fue un director de origen alemán, de los más destacados dentro del expresionismo alemán. Fue el único ganador del Oscar a la Producción única y artística con Amanecer (1927), un premio que en su momento estuvo a la misma altura que Mejor película y solo se entregó en la primera edición de los premios.
Pero sobre todo, Murnau ha pasado a la historia por Nosferatu (1922), adaptación libre del Dracula de Bram Stoker y película clave en la historia del cine de terror y la póstuma Tabú (1931), con la que Floyd Crosby ganó el premio a mejor fotografía.
expresionismo alemán
Nosferatu (1922)
Sergei Eisenstein (1925-1948)
Serguéi Mijáilovich Eizenshtéin, nacido el 22 de enero de 1898 en Riga, Imperio Ruso (actual Letonia) y murió el 11 de febrero de 1948 en Moscú, URSS. Fue un director de cine y teatro, además de ser uno de los primeros teóricos sobre el cine con obras como El sentido del cine (1942) o La forma del cine (1949).
Eisenstein es uno de los máximos referentes del cine soviético, cambió la forma de hacer cine con sus innovaciones con películas como La huelga (1925), el Acorazado Potemkin (1925), Octubre (1928) y Alexander Nevsky (1938) y su influencia en el cine sigue hasta nuestros días.
Fritz Lang (1890-1976)
Friedrich Christian Anton Lang, nombre completo de Fritz Lang, nacido el 5 de diciembre de 1890 en Viena, Austria y murió el 2 de agosto de 1976 en Beverly Hills, California, Estados Unidos. Fue un director austriaco que llegó a tener también la nacionalidad alemana y estadounidense. Es considerado uno de los más grandes directores de la historia, empezando en el cine alemán y terminando su carrera en Estados Unidos, realizando filmes dentro del sistema de estudios.
Dentro de su etapa alemana, destacan dos filmes capitales de la cinematografía occidental: Metrópolis (1927) y M, el vampiro de Dusseldorf (1931). Y de la americana, El ministerio del miedo (1944) y Perversidad (1945).
Metrópolis (1927)
Alain Resnais (1922-2014)
Alain Resnais es uno de los cineastas más especiales de la historia. Con un estilo poético y lírico, sus películas son verdaderas obras de arte. A veces son calificadas como incomprensibles como la famosa Last Year at Marienbad (1961), pero lo cierto es que son filmes que dan lugar a muchas interpretaciones y reflexiones. También es remarcable su cinta Hiroshima, mon amour (1959), poema fílmico con una fuerza visual y conceptual muy difícil de ver en la filmografía de otros directores y sobre todo, es un cineasta que destaca su elegancia.
Ingmar Bergman (1918-2007)
Ernst Ingmar Bergman fue un cineasta sueco que nació el 14 de julio de 1918 en Uppsala y murió el 30 de julio de 2007 en Fårö, Suecia. En su filmografía encontramos un tono existencialista, siendo principalmente dramas en el que se tratan temas como la fe, la familia, las relaciones o la complejidad del ser humano. En su carrera destacan películas como El Séptimo sello (1957), Fresas salvajes (1957), que influenció al movimiento de la Nouvelle Vague, Persona (1966) y Fanny y Alexander (1982). Y su influencia se hace fuerte en cineastas como Woody Allen, Francis Ford Coppola o Alejandro González Iñárritu.
Jean-Luc Godard (1930-2022)
Uno de los directores más influyentes y revolucionarios, Jean-Luc Godard, nacido el 3 de diciembre de 1930 en París, Francia; es un cineasta franco-suizo que cambió para siempre la historia del cine con su ópera prima, Al final de la escapada (1960), filme estandarte de la Nouvelle Vague. Un director que no ha parado de experimentar desde una perspectiva crítica, con películas como Pierrot el loco (1962), El desprecio (1963) o Adiós al lenguaje (2014).
Stanley Kubrick (1928-1999)
Considerado uno de los mejores directores y de los más populares; Kubrick, nacido el 26 de julio de 1928 en Nueva York, Estados Unidos y que falleció el 7 de marzo de 1999 en Saint Albans, Reino Unido, fue un director único que en su carrera supo aunar el cine arte con el de entretenimiento con un estilo especial, que sigue impactando a espectadores y expertos hoy en día.
Un autor que no tuvo problema en realizar largometrajes de géneros distintos y consiguiendo auténticas obras maestras atemporales como 2001: Una odisea en el espacio (1968), La naranja mecánica (1971) o La chaqueta metálica (1987).
Godard
Wim Wenders (1945-)
Uno de los cineastas más respetados e influyentes del cine moderno. Su cine guarda una estrecha relación entre lo estético, lo reflexivo y lo profundo. Por destacar algunas de sus obras: Paris, Texas (1984), es un filme que habla sobre las fantasías, las ideas que tenemos de otras personas y de la felicidad. Otra obra a destacar es el bello y duro documental La sal de la tierra (2014) o el hermoso documental Pina (2011) cuya fuerza visual lleva a la danza y el teatro a cotas nunca vistas.
Abbás Kiarostamí (1940-2016)
El cine iraní es uno de los más reconocidos de Asia y uno de sus principales directores es Abbás Kiarostamí, un director, guionista, productor y fotógrafo nacido en Teherán, Irán el 22 de junio de 1940 y que murió el 4 de julio de 2016 en París, Francia. El cine de Kiarostamí destaca por tratar el tema de la barrera entre la ficción y la no ficción o tratar el tema de la vida y la muerte con un estilo poético.
En su filmografía destaca la trilogía de Koker, compuestas de ¿Dónde está la casa del amigo? (1987), Y la vida continúa (1992) y A través de los olivos (1994); El sabor de las cerezas (1997), con la que ganó la Palma de Oro en Cannes y Primer plano (Close-Up) de 1990.
David Lynch (1946-)
Cineasta que representa el cine surrealista actual y, en consecuencia el cine de arte contemporáneo. Lynch no se encasilla ni toma convencionalidades de los diferentes géneros cinematográficos, sino que establece ideas psicológicas que impulsan a los espectadores a completar los significados de sus obras. En Eraserhead (Cabeza borradora) (1977), su ópera prima, vemos a un Lynch muy pictórico.
Gran admirador de Francis Bacon, compartía la máxima de que la pintura debía «capturar un instante en toda su violencia y toda su belleza». Esta máxima es toda una constante en sus obras, de hecho es una sensación continua en toda su filmografía, pero especialmente en Cabeza borradora. Donde podemos ver a Bacon como referente.
Hacemo la comparación de la obra de Bacon «Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion» con un fotograma del filme.
Bacon y David Lynch
Comparativa Bacon – Lynch
Películas más importantes del cine arte
Viaje a la luna (1902) de Georges Méliès
Este cortometraje del director francés es considerado uno de los primeros ejemplos de filme narrativo, además de ser una de las películas más relevantes de los primeros años del cine.
Intolerancia (1916) de D.W. Griffith
Obra cumbre y fracaso en su momento, el largometraje de Griffith fue un proyecto mastodóntico que combina cuatro historias en cuatro tiempos distintos sobre la intolerancia, jugando con el montaje y siendo un ejemplo de los avances del cine en esos años.
La pasión de Juana de Arco (1928) de Carl Theodor Dreyer
La obra maestra del director danés sobre el juicio y muerte de Santa Juana de Arco es una de las películas más relevantes del cine mudo e influyentes, como se pudo ver en Vivir su vida (1962) de Jean-Luc Godard.
Tiempos modernos (1936) de Charles Chaplin
La última película en la que apareció Charlot, el personaje que encarnó e inmortalizó Chaplin, una crítica al mundo industrial y a las repercusiones de la Gran depresión que supuso por otro lado un canto de cisne del cine mudo en un momento en el que el sonido ya se había impuesto en la industria.
Los zapatos rojos (1948) de Emeric Pressburger y Michael Powell
Uno de los dúos de directores mas relevantes de la historia del cine que realizaron en 1948 una película única y colorida, que junto a el Mago de Oz (1939), ha sido una de las obras más influyentes entre directores de la historia.
Cuentos de la luna pálida (1953) de Kenji Mizoguchi
León de plata en Venecia, este drama de Kenji Mizoguchi es una de las obras cumbre del cine nipón, abriendo junto a Rashomon (1950) de Akira Kurosawa, esta filmografía a Occidente con esta historia sobre fantasmas en el Japón del siglo XVI.
El año pasado en Marienbad (1961)
Viridiana (1961) de Luis Buñuel Luis Buñuel
El director español mas influyente de la historia del cine, volvió a España para realizar una de sus mejores películas, con su estilo surrealista y crudo. El filme generó polémica, llegando a costarle la nacionalidad española tras las críticas de la Iglesia Católica tras su estrenó en Cannes, dónde consiguió la Palma de Oro.
Persona (1966) de Ingmar Bergman
Se trata de un filme que es pura poesía visual, del cineasta sueco Ingmar Bergman. En la película se profundiza en el tema de la identidad. Liv Ullmann interpreta a una actriz de teatro que inexplicablemente se ha quedado muda y Bibi Andersson es la joven enfermera locuaz que la cuida en una cabaña en una isla remota.
La naranja mecánica (1971) de Stanley Kubrick
Una de las películas más controversiales de la historia que se convirtió en un filme de culto desde su estreno. En ella se presentan escenas de alto contenido violento, rodado con la maestría que Kubrick imprime a todas sus obras.
Solaris (1972) de Andrei Tarkovsky
Tarkvosky, uno de los cineastas soviéticos mas importantes de la historia, firmó en 1972 uno de los filmes mas relevantes del cine arte dentro de la Ciencia Ficción, una historia que reúne los temas recurrentes del autor y que llegó a tener un remake en 2002 por parte de Steven Soderbergh.
Eraserhead (1977) de David Lynch
Como hemos nombrado anteriormente, se trata del primer largometraje de David Lynch en 1977. Toda una obra de arte, con una fascinante fotografía en blanco y negro de Frederick Elmes y Herbert Cardwell. Destaca sobre todo la actuación enigmática de Jack Nance.
No hay comentarios:
Publicar un comentario