Cine independiente

Cine independiente y sus características

El cine independiente o cine indie es un tipo de cine que engloba a las películas de bajo presupuesto, realizadas fuera del modelo tradicional de producción, propio de los estudios cinematográficos más conocidos en la industria del entretenimiento. Las películas del cine independiente se caracterizan por tener un estilo sencillo, sin grandes alardes técnicos y un enfoque en las historias que cuenta.

Dentro del “cine indie”, encontramos algunas corrientes cinematográficas como la Nouvelle Vague o el Free Cinema. En este artículo, procederemos a dar una definición extensa de lo que es el cine independiente, desde sus inicios hasta la actualidad, sus características primordiales, los directores más destacados y algunas películas de cine indie que han triunfado a nivel mundial.  

Historia

1. Orígenes

Desde los inicios de la historia del cine, se han concebido todo tipo de películas, desde las producciones que cumplen con los parámetros típicos del cine comercial, hasta las que se decantan por un carácter subversivo, fuera de la norma establecida. Pero a excepción de algunas propuestas vanguardistas, el género del cine independiente no tomó forma propia sino hasta el año 1959, donde distintos países adoptaron modelos novedosos y poco convencionales de hacer cine.

2. Free Cinema inglés

En Inglaterra, nace en febrero de 1956 un movimiento titulado Free Cinema dispuesto a transformar la estética del cine británico clásico y encaminarlo a una aproximación más realista, en consonancia con la realidad social del momento. El “Manifiesto de Jóvenes Airados” da comienzo a este modelo que sigue activo durante la década de 1960. Entre sus principales características se encontraba el uso de recursos minimalistas como el uso de equipos pequeños para las filmaciones, un presupuesto limitado y la selección de música de jazz como banda sonora.

Entre los cineastas más representativos del Free Cinema británico se encuentran Jack Clayton con su cinta dramática ganadora de dos Premios Oscar Un lugar en la cumbre (1958), Tony Richardson con Un sabor a miel (1961), producción que causó polémica en su estreno por el abordaje de temas como la homosexualidad, el embarazo precoz y las relaciones interraciales, pero con el paso del tiempo adquirió un merecido reconocimiento y Lindsay Anderson con cintas como El ingenuo Salvaje (1963) y el drama satírico If….(1968), una crítica ácida a los internados británicos.

3. La Nouvelle Vague francesa

La conocida como «nueva ola francesa» surgió de un grupo de cineastas franceses descontentos con el sistema impuesto en la industria cinematográfica del momento, decidieron crear un movimiento artístico cuyo objetivo principal era dejar de lado las técnicas de filmación tradicionales para  dar paso a la experimentación y un estilo único de cine de autor.

La crítica bautizó a estos realizadores con el nombre de La Nouvelle Vague (Nueva ola). La libertad de expresión fue uno de los grandes postulados de este movimiento, al igual que la libre elección de los recursos técnicos propios de la producción fílmica. Entre sus representantes más importantes se erigieron los nombres de Agnès Varda con el éxito de Cleo de 5 a 7 (1961), Louis Malle con Ascensor para el cadalso (1957) y Los Amantes (1958), Francois Truffaut con la influyente Los 400 golpes (1959) y Jules y Jim (1962) y Jean Luc-Godard con Sin Aliento (1960), conocida en España como Al final de la escapada.

4. Cine independiente norteamericano

En 1959 se estrena la película Shadows del cineasta estadounidense John Cassavetes. A partir de este momento, se genera la corriente del cine independiente en Estados Unidos. Comienza una amplia discusión sobre el modelo a seguir y se procede a la creación de dos grupos de cineastas que se proponen llevar a cabo producciones de bajo presupuesto, con base en los parámetros de la Nouvelle Vague, específicamente.

Estos grupos tenían nombres, la Escuela de Nueva York y la generación de la televisión. El primero contaba con grandes figuras como Andy Warhol, Maya Deren y el cineasta John Cassavetes dentro de sus integrantes, mientras que el segundo tenía a directores de renombre como Stanley Kramer, Robert Altman, Sidney Lumet y Robert Mulligan en sus filas.

Luego aparece un nuevo grupo a comienzos de los años 70, conocido como el Nuevo cine americano integrado por los aclamados Dennis Hopper y Peter Bogdanovich entre sus figuras de prestigio. Easy Rider (1969) fue la primera cinta de este grupo que alcanzó la fama, llegando a convertirse en un clásico de culto y un éxito de taquilla, superando las expectativas además, al ser adquirida para su distribución por Columbia Pictures, una de las grandes compañías de la industria hollywoodense.

La segunda generación de los 70 llega con nombres de enjundia como Francis Ford Coppola, Steven Spielberg ,George Lucas, Terrence Malick, entre otros. Estos directores consiguen labrarse un hueco en la industria con buenos resultados en taquilla y pasan a convertirse en reputados cineastas con producciones comerciales.

5. Cine post-independiente

En el año 1980 surge una nueva generación de directores que buscan redimensionar las convenciones presentes en las temáticas sociales  y brindar una nueva perspectiva estética a sus producciones. Desde el cineasta Spike Lee con películas como She´s Gotta Have It (1986) y Do The Right Thing (1989) donde se aprecia un enfoque claro en temas raciales, pasando por la estética experimental de David Lynch que se puede apreciar en Terciopelo Azul (1986) y Mulholland Drive (2001), Stephen Frears con el romance erótico Mi hermosa lavandería (1985) y la irreverencia de los hermanos Coen con cintas como Arizona Baby (1987). El gran recorrido de estos realizadores instauró el término cine independiente como parte de un género en sí mismo, impulsado por las distribuidoras en pro de la búsqueda de resultados comerciales.

Shadows (1959)

Con todo el auge que generó este cine, se crearon los Independent Spirit Awards, premios que reconocen lo mejor de las producciones independientes en el cine norteamericano. En Europa, también se dio el surgimiento de corrientes relacionadas a los paradigmas del cine postindependiente. La más renombrada de ellas fue el movimiento conocido como Dogma 95 creado por los cineastas daneses Lars Von Trier y Thomas Vinterberg con el objetivo de impulsar un tipo de cine fundamentado en los principios tradicionales de historia, actuación y temáticas centrales, sin el uso de efectos especiales o tecnología de alto presupuesto.

Otros movimientos relevantes fueron los apocalípticos, donde los cambios históricos que se dieron tras la caída del Muro de Berlín influenciaron a un grupo de cineastas entre los que se encontraban Quentin Tarantino, Atom Egoyan y Danny Boyle. Los naturalistas liderados por Alexander Payne, Richard Linklater con su trilogía Antes del amanecer (1995), Antes del atardecer (2004) y Antes del anochecer (2013); la cineasta Sofía Coppola también alcanzó gran popularidad y respeto en este movimiento con películas como Las vírgenes suicidas (1999), Lost in Translation (2003) o Somewhere (2010).

Características del cine independiente

Financiación

El cine independiente se caracteriza por contar con un presupuesto mucho más bajo que el destinado a las producciones comerciales, por lo que estas cintas dependen de la capacidad de los directores para buscar sus propias formas de ingreso y distribución. Todo con la intención de evitar el rígido sistema de los estudios cinematográficos.

Apartado visual

La estética utilizada por los creadores de producciones independientes puede variar según la propuesta del realizador, pero su enfoque parte de la experimentación y las técnicas vanguardistas para forjar una imaginería propia y la capacidad del cineasta para establecer el control final sobre su creación.

Temas de los que tratan

Los temas que maneja el cine independiente difieren a los tópicos abordados en el cine comercial. Desde sus comienzos, las películas indie han mostrado un alto nivel de arrojo al retratar temáticas de interés social como la homosexualidad, drogas, desigualdad económica, el racismo y la salud mental.

Directores destacados

Atom Egoyan

Éxotica (1994), The Sweet Hereafter (1997), Ararat (2002), Where The Truth Lies (2005)

Francois Truffaut

Los 400 golpes (1959), Jules y Jim (1962), La sirena del Mississippi (1969)

John Cassavetes

Opening Night (1977), Sombras (Shadows) (1959), Faces (1968)

Stephen Frears

Gumshoe (1971), Mi hermosa lavandería (1985), Negocios ocultos (2002)

Jim Jarmusch

Stranger than Paradise (1984), Mystery Train (1989), Café y Cigarrillos (2003), Flores Rotas (2005), Solo los amantes sobreviven (2013), Paterson (2016)

Sofía Coppola

Las vírgenes suicidas (1999), Lost in Translation (2003), María Antonieta (2006), Somewhere (2010).

Richard Linklater

Dazed and Confused (1993), Antes del amanecer (1995), Waking life (2002), Antes del atardecer (2004), Fast Food Nation (2006), Una mirada a la oscuridad (2006), Orson Welles y yo (2009), Bernie(2012), Antes del anochecer (2013), Boyhood: momentos de una vida (2014), Todos queremos algo (2016), Last Flag Flying (2017).

Ken Loach

Pan y rosas (2000), El viento que agita la cebada (2006), Yo, Daniel Blake (2016), Sorry We Missed You (2019)

Xavier Dolan

Mommy (2014), Laurence Anyways (2012), Yo maté a mi madre (2009).

Top 15 de películas de cine independiente

15. Shadows (1959) 

Es quizás la películas más importante en el cine independiente estadounidense. Ópera prima y escrita y dirigida por John Cassavetes. El guion se centra en una pareja interracial de Nueva York en la década de los 50s. Pero el propio Cassavetes evita centrarse directamente en temas raciales y aborda la película mostrando problemas personales de la pareja en sí. Como curiosidad, se cuenta que no había sido pensada para ser exhibida en cines, sino para que los actores vieran el trabajo realizado de su interpretación. 

14. Donnie Darko (2001) 

Con controversia desde su estreno, ya que esta película indie trata sobre un accidente de un avión y fue estrenada meses después del 11-S. Actualmente se ha convertido en toda una cinta de culto, con un guion misterioso con una gran carga existencialista que lo hemos tratado en el artículo Donnie Darko: explicación. 

Donnie Darko crítica

13. Easy Rider (Buscando mi destino) (1969) 

Road movie de Dennis Hopper que cuenta con las inolvidables interpretaciones de Peter Fonda y Jack Nicholson, y donde también actúa el propio director. Fue considerada en su día como un hito de la contracultura de la década de 1960 y precursora del cine independiente posterior. Hoy en día se nota que ha envejecido y, según críticos actuales como Carlos Boyero, la película es «mediocre y a ratos grotesca». 

12. Pink Flamingos (1972) 

Pink Flamingos es una de las películas más controversiales de la historia. Se trata de un filme de culto dirigido por John Waters y que por ejemplo, en 2021 fue considerada como: «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. La trama de esta comedia negra es totalmente grotesco, a lo largo de noventa minutos de metraje se muestran una gran cantidad de momentos llenos de escatología, travestismo, canibalismo e incluso hay momentos de zoofilia.

11. Reservoir dogs (1992) 

El debut cinematográfico de Quentin Tarantino no ha perdido ni un ápice de su audacia desde su estreno en 1992. Diálogos inteligentes, personajes memorables, referencias a la cultura pop y la violencia tarantiniana que impregna su filmografía son algunos de los alicientes principales de esta producción de gánsteres con reminiscencias a las cintas de acción de Hong Kong y que sentó un precedente para las producciones independientes y la industria cinematográfica en general. 

10. Winter’s Bone (2010) 

Un éxito inesperado estrenado en el Festival de Cine de Sundance, este drama psicológico basado en el libro del mismo nombre escrito por Daniel Woodrell sigue la historia de Ree Dolly (Jennifer Lawrence) una joven chica que se ve obligada a hacerse cargo de su familia luego de la repentina desaparición de su padre. La mezcla entre drama costumbrista y thriller le otorga a esta cinta un balance óptimo y la poderosa actuación de Jennifer Lawrence es la fuerza motor que impulsa la historia hasta un emotivo final y ese esfuerzo le valió su primera nominación como mejor actriz en los Premios Oscar.

9. Pequeña Miss Sunshine (2006) 

Un viaje en carretera, temas sociales de gran calado y una sátira divertida a los concursos de belleza infantiles, esta comedia familiar narra el viaje de los Hoover, una típica familia norteamericana que tiene el objetivo de llevar a la pequeña Olive a realizar una audición para el concurso de belleza Pequeña Miss Sunshine. Un tono ligero impregna esta divertida cinta donde un reparto estelar y diálogos mordaces completan la experiencia. Llegó a ganar dos Premios Oscar en las categorías de mejor actor de reparto para Alan Arkin y mejor guión original, además de obtener nominaciones como mejor película y mejor actriz de reparto para la estrella emergente Abigail Breslin.

8. Smoke (1995) 

Dirigida por Wayne Wang con un prodigioso guion de Paul Auster que gira entorno a un estanco de Nueva York. Cinta llena de reflexiones y con grandes momentos protagonizados por Harvey Keitel y William Hurt. Ganó el Premio especial del jurado, el de la crítica y el del público del Festival de Berlín. 

Smoke con Harvey Keitel

7. Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (Olvídate de mí) (2004) 

Se trata de una película para pensar sobre la complejidad de las relaciones de pareja, el poder de los recuerdos, el desencanto y la belleza de los pequeños momentos. Dirigida por Michel Gondry y protagonizada por un Jim Carrey que demostró en esta cinta que contaba con un registro dramático potente, pero sin lugar a dudas, es la actuación de Kate Winslet el punto más inolvidable, ya que la versátil actriz inglesa dotó a Clementine de una irreverencia y magnetismo efervescentes. 

6. Vivir rodando (1995) 

Además de ser una de las mejores películas de cine dentro del cine, también es la que mejor refleja lo que es llevar a buen puerto un rodaje de bajo presupuesto. Dirigida por Tom DiCillo inolvidable es la escena donde el director (Steve Buscemi) disputa con el personaje de Dinklage, uno de los gags más antológicos que se recuerdan. Eso sí, si nos quedamos con uno en con el silencio del sonido ambiente.

5. Los Descendientes (2011) 

Un drama emotivo ambientado en Hawaii, la historia sigue a Matt King (George Clooney), un abogado residenciado en Hawai que debe lidiar con la inminente pérdida de su esposa, luego de que ésta sufra un accidente de navegación y caiga en un coma profundo. La naturalidad de la propuesta y el trabajo sensitivo de Clooney hacen de esta producción un viaje reconfortante a través del mundo interno de un personaje cotidiano con el que cualquier espectador se puede identificar y la exploración de temas como la pertenencia, el amor, el perdón y los legados familiares le añaden capas de significado que enriquecen la narrativa.

4. París, Texas (1984) / Las alas del deseo (1987) 

Dos películas de gran belleza temática y visual, dirigidas por un maestro del cine, el renombrado director de cine independiente Wim Wenders. París, Texas es un recorrido íntimo por los paisajes de Texas, plasmada con una misteriosa sensibilidad que resulta poética y evocativa; cada espacio habitado por Travis (Harry Dean Stanton) un vagabundo en la búsqueda de recuperar su vida es vívido y forma un mosaico de sentimientos y personajes inolvidables con un ritmo etéreo que cautiva por su acabado impresionista. 

En Las alas del deseo, la ciudad de Berlín cobra vida como un microcosmos de los anhelos humanos y espirituales, a través de la presencia de ángeles que vigilan la ciudad y conocen los sentimientos de cada habitante. El muro de Berlín funciona como el elemento que divide a una ciudad fracturada por la sombra del nazismo. Una historia de amor se forma dentro de este entramado narrativo y le otorga a la cinta un poder emotivo indecible. La expresiva fotografía de Henri Alekan ofrece una experiencia sensorial que deslumbra y permanece en la memoria.

3. Lost in Translation (2003) 

Una obra maestra contemplativa sobre la comunicación y las conexiones humanas en una ciudad extranjera, Lost in translation sigue a Bob (Bill Murray) y Charlotte (Scarlett Johansson), dos extraños que se conocen en la ciudad de Tokio y entablan una relación de amistad con posibilidades de convertirse en algo más profundo. La naturaleza elegante y el ritmo pausado de esta comedia romántica junto a las magnéticas actuaciones de Murray y Johansson dan como resultado una cinta hermosa, con un lirismo que enamora y un retrato fascinante de las calles de Tokio.

Lost in Translation plano medio

2. Down by Law (Bajo el peso de la ley) (1986) 

Obra cumbre del cine independiente. Jim Jarmusch creó esta poesía cinematográfica en blanco y negro, una comedia carcelaria protagonizada por Roberto Benigni, Tom Waits y John Lurie. En ella se cuenta la historia de tres hombres que no tienen nada en común, coinciden en una celda de una prisión de Louisiana. Pero la barrera del idioma no será un impedimento para lograr lo que los tres desean: fugarse de la cárcel.

1. Los 400 golpes (1959) 

La obra cumbre de Francois Truffaut. Un retrato crudo y sin épicas de la adolescencia de Antoine Doinel, alter-ego del director en la ficción. La vida de este joven delincuente oscila entre momentos de ligereza y las secuencias del segundo tramo de la historia, donde se impone la oscuridad y llega el toque de realidad áspera. Con una fotografía impecable, llena de atención al detalle y la cuidada dirección de Truffaut, esta cinta es uno de los exponentes más importantes de la Nouvelle Vague y, por ende, del cine independiente.