domingo, 29 de octubre de 2023

Lirios Rotos

Blossoms en la versión original) es una película muda estadounidense que fue dirigida por DW Lirios rotos ( Broken Blossoms o The Yellow Man and the Girl o simplemente Broken Griffith , e interpretada por Lillian Gish y Richard Barthelmess , entre otros . Está basada en el relato de Thomas Burke The Chink and the Child (1916), aparecido dentro del libro Limehouse nights . Estrenada el 13 de mayo de 1919 ,  ha sido considerada como una de las grandes películas dramáticas del cine mudo. En 1996, el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos la seleccionó para su preservación debido a su interés cultural, histórico o estético. 



Poster de la película Lirios Rotos Año 1919



Película Completa Lirios Rotos 1919 o como originalmente se llamaba Broken Blossoms


Argumento 

Cheng Huan, un chino que quiere hacer el bien, emigra a Inglaterra para difundir los valores del budismo . Se establece en el barrio de Limehouse en Londres y se gana la vida en una tienda de artículos chinos. Allí, vive rodeado de gente que apuesta, que fuma opio o va con mujeres y como nada es como esperaba y nadie quiere escucharle, también acaba fumando opio. Allí se siente atraído por una triste chica de quince años, Lucy, hija ilegítima y no querida de un boxeador borracho y peñasco llamado Battling Burrows. El boxeador trata a su hija bestialmente con la más mínima excusa. Un día que al servirle la cena le arde la mano por accidente le da una gran paliza. La chica sale de casa sin poder coordinar sus movimientos debido al dolor y entra en la tienda de Chen donde cae desmayada. Cuando Chen vuelve a su tienda, aturdido por el opio al principio no la descubre, pero después la recoge, le cura las heridas, le da una bata de seda y toca para ella una canción con su flauta. Hace que Lucy se sienta por amada por primera vez.

Allí la descubre un compañero de Burrows al ir de compras y enseguida va a contárselo a papá. Éste, indignado porque su hija se relaciona con un asiático, se presenta en la tienda y, al no encontrar a Chen, lo destroza todo y se lleva a su hija.

Al volver Chen a casa se desespera y cogiendo una pistola se dirige a casa de Burrows. Mientras, ella se ha encerrado en el baño para refugiarse de su padre mientras intenta explicarle que no ha pasado nada entre ellos, pero éste no quiere escuchar razones y con un hacha se abre paso para cogerla. y darle una paliza brutal. A consecuencia de esto Lucy muere. Cuando Chen llega a casa de Burrows y descubre que Lucy ha muerto se enfrenta a Battling que lleva un hacha y lo mata de un disparo. Se lleva el cadáver de la chica a casa y la deposita sobre la cama. Recordando sus buenas intenciones de hacer el bien de cuando vino a occidente, acaricia a Lucy por última vez y se suicida clavándose un cuchillo. 

Reparto

Lillian Gish (Lucy Burrows)

Richard Barthelmess (Cheng Huan)

Donald Crisp (Battling Burrows)

Arthur Howard (manager de Battling Burrows)

Edward Peil SR. (Evil Eye)

George Beranger (hombre que espía Lucy)

Norman Selby (boxeador)

Ernest Butterworth

Fred Hamer

Wilbur Higby (policía)

Man-Ching Kwan (monje budista)

Steve Murphy (espectador)

George Nichols

Karla Schramm

Bessie Wong (chica en China)

Producción

Lirios rotos fue una producción humilde. La película se rodó en Los Angeles casi completamente al filmar en interiores, con decorados sencillos y pocos personajes, en sólo dieciocho días sin repetir presas y con un bajo presupuesto. Se optó por una fotografía más difusa, más suave, usando los tintes para diferenciar ambientes y utilizando los primeros planos de una manera muy expresiva. Los efectos especiales de la película corrieron a cargo de Hendrick Sartov y la edición final corrió a cargo de James Smith.

Griffith era reacio a contratar Gish para la película, ya que consideraba demasiado grande pero al no encontrar otra alternativa decidió probarla. En una entrevista, ella remarcó lo difícil que era interpretar las escenas de pánico cerrada al lavabo sin que hubiera realmente nadie que estuviera intentado entrar al otro lado de la puerta ya plena luz del día. La actuación de Lillian Gish en esta película es considerada la mejor actuación dramática de la historia del cine. Una escena que también ha quedado para siempre asociada a la actriz es el momento en que su padre le exige que se ría y ella empuja sus comisuras hacia arriba con dos dedos para configurar una sonrisa.

El resultado fue una película rupturista dentro de la obra de Griffith. El director deja de lado el registro épico de películas épicas anteriores, como Judith of Bethulia (1914), El nacimiento de una nación (1915) o Intolerancia: Love's Struggle Throughout the Ages (1916), para simplificar la acción y centrarse en tres personajes, con una puesta en escena muy ligada a los ritmos de los actores y una atmósfera anticipando de futuras germanizaciones.  Percibida ya cuando se estrenó como una gran obra de arte, ha sido considerada como una de las grandes películas dramáticas del cine mudo. 

La película debía ser distribuida por Famous Players-Lasky Corp. pero Griffith la adquirió por 250.000 dólares para distribuirla a través de la productora United Artists que había terminado de crear ese mismo año junto con Charles Chaplin , Douglas Fairbanks y Mary Pickford obteniendo unas ganancias de 700.000 dólares. 

Y No quedó Ninguno


Diez negritos (en inglés: Ten Little Niggers),​ también conocida como Y no quedó ninguno (And Then There Were None, en sustitución del original, modificado posteriormente en las ediciones anglosajonas por las connotaciones peyorativas de la palabra nigger en lengua inglesa),3​ es una novela policíaca de la escritora británica Agatha Christie, publicada originalmente en Reino Unido por Collins Crime Club el 6 de noviembre de 1939.4​ El título, que hace referencia a una canción infantil,5​6​ se cambió por And Then There Were None en la primera edición de Estados Unidos, y el título de la canción de la novela, por Ten Little Indians (Diez inditos). 


Novela Diez Negritos que es la obra adaptada de Agatha Cristie también llamada Y No Quedó Ninguno en la película que pueden ver a continuación


Argumento
Ocho personas —el juez Lawrence Wargrave, la institutriz Vera Claythorne, el aventurero Philip Lombard, el general retirado John MacArthur, la solterona Emily Brent, el playboy Anthony Marston, el doctor Edward Armstrong y el detective privado y expolicía William Blore— reciben una invitación para pasar unas vacaciones en la isla del Negro (inspirada en la isla Burgh).8​ Esta isla se encuentra en la costa inglesa, en la región de Devon. La invitación es sumamente atractiva, ya que se trata de una pequeña isla en la que solo existe una hermosa y gran mansión que fue construida por un millonario estadounidense, quien luego la vendió y nadie sabe hoy quién es el nuevo dueño. A cada uno de los invitados les llega la invitación por carta, firmada por una persona que dice haberlos conocido en el pasado en una situación que para todos es familiar, aunque no recuerdan bien a la persona en cuestión. Sin embargo, todos aceptan gustosos la invitación, ya que la persona que los invita describe detalladamente el lugar y las circunstancias en que los conoció. También porque en la nota aparece como una persona muy afectuosa y amable, y además, por lo irresistible que resulta el pasar unas vacaciones en una mansión tan lujosa situada en un lugar tan hermoso.
Todos llegan a la isla el día señalado, y descubren que su anfitrión, el señor U. N. Owen, no se encuentra allí, pero serán atendidos por los sirvientes, el señor y la señora Rogers, que hacen las funciones de mayordomo y cocinera respectivamente, haciendo un total de diez personas en la isla. Rogers y su esposa han sido contratados recientemente y todavía no conocen a su nuevo señor. Cada uno de los invitados encuentra en su habitación una copia de la canción infantil de los diez negritos enmarcada y colgada en la pared.
Esa noche, durante la cena, los invitados observan diez pequeñas figuras de porcelana, diez negritos, sobre la mesa del comedor. Tras la cena, una grabación les acusa uno por uno de haber sido culpables directa o indirectamente de la muerte de diversas personas en el pasado. Todos (salvo Philip Lombard) niegan su responsabilidad, alegando que las muertes fueron accidentales y que, aunque quisieron ayudar a las víctimas, no pudieron. Entonces, se dan cuenta de que han sido engañados para ir a la isla con diversos pretextos, como una oferta de trabajo o el encuentro con una persona conocida. También descubren que no pueden marcharse, ya que el barco que trae las provisiones y que supone la única comunicación con la costa no puede llegar hasta la isla debido a la tormenta. A partir de ese momento, los invitados empiezan a ser asesinados uno a uno, de forma similar a lo que dice cada estrofa de la canción, y cada vez que alguien muere, una de las figuras de los negritos desaparece. A medida que se van produciendo las muertes, los supervivientes se dan cuenta de que el asesino solo puede ser uno de ellos, mientras que el mal tiempo les impide abandonar la isla o pedir ayuda.
Letra de la canción
El poema de Agatha Christie en versión modificada
Esta es una de las versiones. Originalmente, en vez de las palabras soldier boys (soldados) iba la palabra niggers (negros) o indians (indios), que se sustituyeron por ser políticamente incorrectas.
Ten little soldier boys went out to dine;
One choked his little self and then there were nine.
Nine little Soldier boys sat up very late;
One overslept himself and then there were eight.
Eight little soldier boys traveling in Devon;
One said he'd stay there and then there were seven.
Seven little soldier boys chopping up sticks;
One chopped himself in halves and then there were six.
Six little soldier boys playing with a hive;
A bumblebee stung one and then there were five.
Five little soldier boys going in for law;
One got in chancery and then there were four.
Four little soldier boys going out to sea;
A red herring swallowed one and then there were three.
Three little soldier boys walking in the zoo;
A big bear hugged one and then there were two.
Two little soldier boys sitting in the sun;
One got frizzled up and then there was one.
One little soldier boy left all alone;
He went out and hanged himself and then there were none.
Diez negritos se fueron a cenar;
uno se asfixió y quedaron nueve.
Nueve negritos estuvieron despiertos hasta muy tarde;
uno se quedó dormido y entonces quedaron ocho.
Ocho negritos viajaron por Devon;
uno dijo que se quedaría allí y quedaron siete.
Siete negritos cortaron leña;
uno se cortó en dos y quedaron seis.
Seis negritos jugaron con una colmena;
una abeja picó a uno de ellos y quedaron cinco.
Cinco negritos estudiaron Derecho;
uno se hizo magistrado y quedaron cuatro.
Cuatro negritos fueron al mar;
un arenque rojo se tragó a uno y quedaron tres.
Tres negritos pasearon por el zoo;
un gran oso atacó a uno y quedaron dos.
Dos negritos se sentaron al sol;
uno de ellos se tostó y solo quedó uno.
Un negrito quedó solo;
se ahorcó y no quedó... ¡ninguno!
Parte de un fotograma de la película de 1945: Louis Hayward, C. Aubrey Smith, Barry Fitzgerald, Richard Haydn, Mischa Auer y Walter Huston
Tal como dice la canción, tras la muerte de todos en forma similar a las circunstancias descritas en la canción, no queda ningún personaje para encontrar la explicación, por lo que el sorprendente desenlace se desentraña gracias a una nota que se encuentra dentro de una botella arrojada al mar por el asesino.
Cine, televisión y otros
Artículo principal: Anexo:Adaptaciones cinematográficas de la novela Diez negritos
Debido al enorme éxito de la novela ha tenido numerosas adaptaciones tanto al cine como a la televisión, la radio y el teatro. No obstante, a excepción de dos9​10​, todas estas alteran el desenlace original escrito por Agatha Christie.

The Southerner, El Hombre del Sur

The Southerner es una película estadounidense dirigida por Jean Renoir, estrenada en 1945. 



The Southerner-El Hombre del sur o El sureño


Escena de la película Año The Southerner-El Hombre del sur o El sureño

 1945


Película completa

Argumento

Sam y Nona Tucker no quieren ser más jornaleros agrícolas. Tras la cosecha de otoño, deciden cultivar su propio campo de algodón. Con Daisy y Jot, sus hijos, y su abuela, se instalan en una tierra concedida por su patrón, donde les esperan todas las desilusiones…

Reparto 

Zachary Scott : Sam Tucker

Betty Field : Nona Tucker

J. Carrol Naish : Henry Devers

Beulah Bondi : Abuela

Percy Kilbride : Harmie Jenkins

Blanche Yurka : Mamá

Charles Kemper : Tim

Norman Lloyd : Finley Hewitt

Estelle Taylor : Lizzie

Noreen Nash : Becky

Jack Norworth : El Doctor

Paul Harvey : Ruston

Nestor Paiva : El barman

Paul Burns : Tío Pete

Jean Vanderwilt : Daisy Tucker

Jay Gilpin : Jottie Tucker

Dorothy Granger :

Earl Hodgkins : un invitado a la boda

Almira Sesiones : una clienta del almacén

Premios y nominaciones 

Premios 

1946: Premio a la mejor película en el Festival de Venecia

Nominaciones 

1946: Oscar al mejor director por Jean Renoir

1946: Oscar a la mejor banda sonora por Jack Whitney

1946: Oscar al mejor sonido por Werner Janssen

miércoles, 25 de octubre de 2023

Clásicos del cine

El hombre invisible (The Invisible Man, 1933)



Invisible Man

La primera adaptación del clásico de H.G. Wells, uno de los monstruos clásicos de Universal por derecho, protagonizada por Claude Rains y Gloria Stuart. Un elemento clave de la ciencia ficción, pertenece al amplio reino de los Mad Doctors del cine, y, como el nuevo, se caracteriza por aprovechar la oportunidad de sacar los más bajos instintos del ser humano aprovechando su ingenio. El Griffin de James Whale siembra el terror en la población, asesina personas y provoca accidentes. Hay algo cómico en su atuendo, pero también da miedo.

(Gaslight, 1944)


Gaslightcover

'Luz que agoniza' es el clásico referente del subgénero de maridos que tratan de volver locas a su mujeres en el cine. Estrategias fuinas, darle la vuelta a las realidades, aprovechar la ingenuidad, poner en contra a todos los familiares, aislar y hacer que el mundo crea que la mujer está loca. Es el cuadernillo de los hombres controladores y hasta su título ha creado una palabra para designar ese tipo de comportamientos, y es que lo que el nuevo Hombre invisible le hace a Elisabeth Moss es "Gaslighting".

La semilla del diablo (Rosemary's Baby, 1968)



Rosemarysbaby

A Leigh Whannell le encantan las primeras películas de Polanski donde el espectador nunca está seguro de si el protagonista está viviendo una ilusión o todo es real. Sigue la misma dinámica de la anterior película pero a la pregunta de si está loca o no, se le añade la dimensión sobrenatural de si en realidad el demonio realmente quiere a su bebé, o fantástica y de ciencia ficción en esta, con la posibilidad de que realmente haya un hombre invisible. De ahí parte la idea de no ver algo de este film.

The Astral Factor (1978)



The Astral Factor


Película completa

Un estrangulador convicto que puede proyectar su cuerpo astral para vengarse, de forma invisible, claro, funciona de precedente para esa fijación vengativa y obsesiva del nuevo Hombre Invisible aunque luego acabe con una ola de asesinatos. Posteriormente apareció en cines en 1984 con el título de 'The Invisible Strangler'. No es muy buena, pero sí una rareza y un precedente al nuevo personaje de Whannell.

El Ente (The Entity, 1982)

Ente




Una de las mayores influencias de este nuevo hombre invisible. Adaptando al cine un caso real, narra la difícil odisea de una mujer atacada y violada repetidamente por una entidad sobrenatural invisible para hacer creer a la gente de su alrededor que lo que le pasa no es una enfermedad mental. En sus dos horas de metraje la mujer era la principal protagonista, siendo más importante el proceso por el que pasa, cómo no es creída por ningún hombre, y las implicaciones sociales que tiene su metáfora, que los ataques en sí. La misma idea que reina en este nuevo film.

Depredador (Predator, 1987)

Predator


A veces se nos olvida, pero la película con hombre invisible más terrorífica es la obra maestra de John mcTiernan sobre un alienígena acechando y cazando a un grupo de mercenarios en medio de la jungla. Todos hemos visto al monstruo, pero la mayoría de las escenas de tensión de la película tenían más que ver con una cámara apuntando a la jungla y la posibilidad de que el asesino implacable se encontrara allí. De igual modo, el film de Blumhouse aprieta las tuercas del terror conduciendo nuestra mirada a espacios en los que no se ve nada.

El cuento de la doncella (Die Geschichte der Dienerin, 1990)

Cuentocriada


Las amenazas del patriarcado y la ciencia ficción son elementos importantes de la nueva 'El hombre invisible' como también lo son en el planteamiento de las adaptaciones de 'El cuento de la criada' (1985) la novela de Margaret Atwood. La serie de Hulu, además, es bastante escalofriante y comparte con el film de universal a Elisabeth Moss, pero además, tuvo una adaptación en los 90 que se adapta también a las intenciones de regreso a esa etapa de Whannell.

Durmiendo con su enemigo (Sleeping With the Enemy, 1991)

Sleeping Enemy


Según nos contaba en una entrevista, el director Leigh Whannell se inspiró en muchos thrillers de los 90 para el tono de su película, pero uno de los más claros es 'Durmiendo con su enemigo', un vehículo para Julia Roberts que ponía la violencia machista sobre la mesa cuando aún Martes y 13 hacían chistes del tema. La casa en la costa, el escape del marido controlador y obseso con el orden, una nueva vida y el hombre en su busca son solo algunos de los detalles que siguen un patrón directamente paralelo.

Atrapada (Break Up, 1998)

Breakup


Bridget Fonda casada con un marido abusivo. Planea escapar de él durante un año. Su marido aparece "muerto". Una hermana implicada, dinero que entra y sale de su cuenta bancaria, y la sospecha de que su marido puede no estar muerto. La cantidad de ideas prestadas del nuevo hombre invisible de este thriller hace sospechar, pero de una u otra forma, es parte del tipo de thriller que Whannell trata de reivindicar.

Arresto domiciliario (100 feet, 2008)

100feet


El caso más claro de parecido entre las dos películas, un thriller fantasmal con Famke Janssen), una mujer liberada de la prisión que debe cumplir el resto de su condena bajo arresto domiciliario en la misma casa en la que ella mató, en defensa propia, a su esposo, un ultraviolento oficial de policía (Michael Paré). Por lo que sí, tenemos a un ser invisible, en este caso un fantasma que sigue atormentando a su mujer con su comportamiento abusivo después de muerto, con una violencia brutal, por cierto, contra sus amantes.

Upgrade (2018)

Upgrade


Sin ser una película excelente (inferior a sus otras dos películas), este divertimento sci-fi de Leigh Whannell es un ejemplo estupendo para conocer su interés en combinar la ciencia ficción con el thriller o el terror usando presupuestos limitados e ideas de guion antes que grandes efectos especiales. también define su buen uso de la cámara en movimientos cortos, laterales e indirectos para crear sensación de dinamismo. Muchos de los trucos que usa en 'El hombre invisible' ya estaban predefinidos aquí, por lo que es una parada interesante en el estudio de su evolución como director.


viernes, 13 de octubre de 2023

Directores de Cine más influyentes

 Los directores más influyentes en la historia del cine




Alfred Hitcock



Stanley Kubrick

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Los Directores de cine más famosos de la historia

Elaborar una lista siempre es arriesgado. Eso nos queda claro; cualquier lista es todo un reto y muy criticable, aunque, por alguna extraña razón y a pesar de lo inciertas que son, nos sigue gustando revisar listados para todo. En áreas como el deporte también es complejo y, a diferencia del arte, el primero resulta un tanto más sencillo, pues las estadísticas y los números juegan un papel fundamental, mientras que en el arte sólo nos basamos en la subjetividad; la subjetividad del gusto de los críticos y de nosotros como público.

Aun así, haré una apuesta arriesgada para escribir una lista que es bastante debatible pero que también tiene sus hechos innegables; los más reconocidos directores en la historia del cine.

El director de cine no es cualquier artista, su labor es compleja, pero cuando se realiza de una manera correcta es un deleite tanto para los espectadores como para ellos. No quiero aventurarme a una lista totalmente arriesgada y loca como sería la de los “mejores” directores, pero sí quiero recopilar una sobre los más influyentes, los más imitados, aquellos que continúan vigentes ante las nuevas generaciones y cuyo cine siempre dará de qué hablar.

Nota: Quisiera mencionar que para la presente lista me basé en directores cuyo estilo fue tan particular y original que se consideran como pilares en este arte. No incluí a directores novedosos como DW Griffith o Sergei Eisenstein, cuyos aportes fueron memorables y legendarios pero cuyas películas no tienen un mismo estilo. 

Orson Welles (Estados Unidos 1915 – 1985) | Directores de cine más influyentes



Orson Welles de joven


Orson Welles


Video de una escena de la película

El “chico maravilla” del cine. Orson Welles contaba con tan solo 25 años cuando comenzó a dirigir la que para muchos es la mejor película de la historia, Ciudadano Kane en 1941. Fue la película que lo catapultó a la fama, aunque las ideas de su obra maestra no eran todas novedosas sí fue la primera película que juntó todas estas técnicas: el “Deep focus”, una iluminación claroscura dramática, virtuosos movimientos de cámara y planos secuencia (que luego superaría en Sed de mal), un complejo diseño de sonido, una arriesgada apuesta musical que resultó y un montaje sobrio que, en sus momentos de brillar, era genial. Con esa película Welles demostró que su calidad artística no tenía igual en el Hollywood de la época (un cine sin mucha técnica, en términos generales). El resto de su filmografía fue igualmente legendaria aunque nunca fue tan influyente como en 1941.

Mejores películas: Ciudadano Kane (1941), El cuarto mandamiento (1942), Sed de mal (1958), El juicio (1962) y Campanadas a medianoche (1965).

Ingmar Bergman (Suecia 1918 – 2007) | Directores de cine más influyentes 



Ingmar Bergman de joven


Ingmar Bergman en la madurez

Posiblemente el nombre referencia cuando escuchamos “cine de arte” o “cine de autor”. El sueco fue un maestro en el manejo del tiempo en el cine. La mayoría de su filmografía es relativamente corta (90 minutos, en promedio) pero no necesitaba más para indagar en lo más profundo de la condición humana. Sus películas parecían una obra de teatro; la mayor parte de la acción se desarrolla en unos pocos lugares y filmaba con solo la luz necesaria (mención honorífica para sus brillantes fotógrafos, principalmente Sven Nykvist) y estaban filmadas con el mínimo de montaje y con un ritmo mesurado que es perfecto para adentrarnos en la trama. Para tomar un ejemplo de su maestría hay que ver la brillante combinación de dirección de arte, cinematografía y vestuario en su película Gritos y susurros de 1972 que hace que cada imagen parezca una pintura.

Mejores películas: El séptimo sello (1957), Fresas salvajes (1957), Persona (1966), Gritos y susurros (1972) y Fanny y Alexander (1982).

Stanley Kubrick (Estados Unidos 1928 – 1999) | Directores de cine más influyentes 




Stanley Kubrick y sus Grandes Obras

Fue el director que se le considero el heredero del legendario Orson Welles. Sus películas son de una belleza notable: su cinematografía es clara y con composiciones tan cuidadas que dejan a uno intrigado de cuánto tiempo se planeó cada escena, su uso de la música clásica es emotivo y genial, tanto que en ocasiones parecía hacer suyas piezas del repertorio clásico y un diseño de sets que no tiene igual en el cine. Su perfeccionismo lo llevó a entrar en conflicto con su equipo aunque todos le recuerdan como es; un genio total, no solo del cine sino del arte.

Mejores películas: Senderos de gloria (1957), Doctor Insólito (1964), 2001: una odisea del espacio (1968), La naranja mecánica (1972), Barry Lyndon (1975).

Jean Luc-Godard (Francia 1930 – presente) | Directores de cine más influyentes 



Jean Luc Godard en sus mejores tiempos


Jean Luc Godard

El director más influyente del movimiento más revolucionario e innovador que ha dado el cine es también uno de los directores más polémicos de la historia. Su cine es vanguardista, experimental y, en ocasiones, un tanto indigerible. Su estilo de montaje desafío lo que se conocía del cine en su momento y sus imágenes, simples y económicas siempre denotan belleza. Su técnica narrativa a veces hacía complicadas películas con tramas simples pero es también parte de lo que le ha dado el nombre que tiene en la actualidad.

Mejores películas: Breathless (1960), El desprecio (1963), Alphaville (1964), Pierrot el loco (1965), Week End (1967).

Alfred Hitchcock (Inglaterra 1899 – 1980) | Directores de cine más influyentes 



Directores de cine de nuestros días

Al inglés se le ha criticado mucho durante los últimos tiempos debido a su complicada personalidad y a su turbulenta relación con sus actrices, pero nadie puede negar que es uno de los directores más importantes de la historia del cine. El famoso “maestro del suspenso” es conocido por un estilo dramático de hacer cine que consiste en movimientos de cámara innovadores que siguen la vista de sus personajes o que incluyen complejas coreografías y que hacían sentir al espectador diversas emociones y, claro, a sus temáticas llenas de suspenso.

Mejores películas: Notorious (1946), La soga (1948), Vértigo (1958), Intriga Internacional (1959), Psicosis (1960).

Akira Kurosawa (Japón 1917 – 1998) | Directores de cine más influyentes 



Director Akira Kurosawa


Esecena de la película Yojimbo 1961

Para muchos de sus colaboradores el famoso director japonés era una especie de “dictador” debido a su perfeccionismo y a su búsqueda de realismo que, en ocasiones, llegó a la exageración (en su película Trono de sangre, flechas reales fueron lanzadas al actor Toshiro Mifune). Su estilo consistía en imágenes poéticas y bellas con composiciones cuidadas, pese a su constante movimiento y un ritmo mesurado que adentraba en su mundo. A diferencia de muchos otros directores, la música de su película era clásica en esencia pero totalmente nueva, compuesta para la película.

Mejores películas: Rashomon (1950), Ikiru (1952), Los siete samuráis (1954), El infierno del odio (1963), Kagemusha (1980), Ran (1985).

Federico Fellini (Italia 1920 – 1993) | Directores de cine más influyentes 



Federico Fellini


Federico Fellini dirigiendo una de sus películas

Poseedor de un estilo un tanto “absurdo” ya que sus historia se basan en diferentes experiencias y no siempre siguen una historia general, si embargo, su técnica es artística y preciosa como los de pocos directores. Empezó como un neorrealista más (un movimiento muy influyente de los 40’s y 50’s en el cine italiano) aunque se apartó a mediados de los 50 para crear su propio cine, uno que combinaba sueños, recuerdos y fantasía en una sola película.

Mejores películas: La Strada (1954), La dolce vita (1960), 8 y medio (1963), Satyricon (1969) y Amarcord (1974)

Andrei Tarkovsky (Unión Soviética 1932 – 1986) | Directores de cine más influyentes 



Andrei Tarkovsky


El ruso tiene un estilo de hacer cine espiritual y filosófico que nadie ha logrado igualar (superando aun al también influyente Carl Theodor Dreyer). Su trabajo se caracteriza por tomas largas, complejas y con un diseño de sonido muy cuidado que mete al espectador en su universo de manera rápida. Su cinematografía siempre es bella e impresionante, y su narrativa se basa en el diálogo y poco en la acción.

Mejores películas: Andrei Rublev (1966), Solaris (1972), El espejo (1975), Stalker (1979) y El sacrificio (1986)

Menciones honoríficas: Sergio Leone, Kenji Mizoguchi, John Ford, Carl Theodor Dreyer, Martin Scorsese, Bernardo Bertolucci, Alain Resnais, Theo Angelopoulos, Béla Tarr. La historia del cine cuenta con personaje, ademas de estos, que marcaron la historia no sólo de este arte sino de la fotografía y la música. En México también han desfilado chamaras que marcan la historia, y estos son los mas reconocidos.

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